西洋絵画史＆日本絵画史 比較表を作ってみた

　いくつか探したのですが、西洋絵画史と日本絵画史を比べて見られるモノがなかったので、自分で作ってみました。

　今まで展覧会に行って、絵画の解説に時代的な背景や絵画の区分が書かれていることがあり、区分の名前等は知っていても、その内容や年代がどの辺りとかよく分かってなかったんですね。
　また、絵画の表現が変わっていく背景には、それぞれの時代の動きや歴史上のイベントが関係していることも多いので、そういった歴史を考えながら絵画を見ることが出来れば、もっと妄想・・・もとい絵画への理解が深まるんじゃないかなと思ってました。
　なので、西洋美術史・日本美術史の本を買ったり、西洋史の本を読んだりしたのですが、脳みそが鳥頭なので３０秒で記憶が飛んでしまうので、展覧会に行くたびにバロックって何時頃だっけ？と、最初からやり直しになってました(笑
　かといって、西洋美術史の本を展覧会の度に持っていくのも重いし・・・しかたないので、本の年表をパクッて合体させてみました。
　歴史上のイベントや日本画史・画家の内容などは、まだまだ修正が必要だけど、まずは全体の位置関係を把握するのには、使えるかな。
　今後は、これを持って展覧会に行きます！
　西洋絵画史は、キリスト教徒の関係も深いので、キリスト教絵画史の方も作ってみたので、こちらも使っていきたいですね。
修正したり追加したほうが良いネタがあれば、教えてください。
　少しづつでも、良いものにしていければと思ってます。

〇追記（画像だとわかりにくいので、埋込タイプも作ってみました）

美術史年表（西洋美術史・東洋美術史）

美術史年表（キリスト教絵画史）

ラファエロ展＠国立西洋美術館 予習②

前回に続いて、ラファエロ展の予習ということでラファエロの絵画についてアンチョコをパクッ・・・もとい、予習した記録を付けたいと思います。

ラファエロで有名な絵画といえば、こちら。
ヴァチカン宮殿の「アテネの学堂」ですね。
「アテネの学堂」は、1509年－1510年に描かれたもので、２７歳頃の作品です。
ローマに移住して２年で教皇から、教皇の公邸での仕事を任されるようになるんですから、いや～、名前も売れてたんでしょうねぇ。
ラファエロ以外にも当時、有名だった画家たちにも仕事を依頼し、その中からラファエロが選ばれたということで、よほどラファエロのプレゼンが教皇の心をゲッチューしたのだと思われます。

アテネの学堂

この絵が描かれているのは、ヴァチカン宮殿の「署名の間」ということで、教皇の公的な用事に使われる部屋なのですが、キリスト教の最高権威の部屋にギリシャ神話等の題材を持ってくるんですから、ルネサンス期の芸術活動は、宗教上の区分も乗り越えるだけのエネルギーがあったんでしょうね。
ルネサンスは、古典古代のギリシャ・ローマの復興運動ということですが、この「アテネの学堂」には、古代ギリシャの学問所に、「ソクラテス」「プラトン」「アリストテレス」等の当時の文人が集っている様子が描かれています。
とりあえず、画中に誰が描かれているかを番号付けしてみました。
①プラトン：モデルは、ダ・ヴィンチ
②アリストテレス
③ソクラテス
④ピタゴラス
⑤ヘラクレイトス：モデルは、ミケランジェロ
（前540～470頃の「泣く哲学者」とかで、陰気な人だったらしい。画中でもそんな感じですね）
⑥ディオゲネス
（前4世頃の哲学者で、モノを持つことを嫌って、樽の中に住んだとか・・・なので、裸なんですかね）
⑦ユークリッド：モデルは、ブラマンテ
⑧イル・ソドマ：同時代の画家
（ラファエロがこの部屋の装飾を手掛ける前に、この部屋の装飾の一部を手掛けていた画家ということで、画中に描いたもの）
⑨ラファエロ（さりげなく、自身も画中に登場させてギリシャ文化の継承者ということを表現したらしいですね・・・画中のモデルに同時代の著名な画家達も採用されていて、ギリシャ時代の人物と画家達とともに自分もそういった人物達と並ぶ存在ということをアピールしたんでしょうか。シレッとした自己主張、小坊主は好きですよ～）

画家達と画中の人物との一致具合はよく分かりませんが、画中の人物が誰なのか？は、相応の教養のある人間であれば分かるようになっているというところが、ラファエロの教養の深さを表わすものと言われています。
プラトンとアリストテレスも画中で本を持っていますが、その本はそれぞれの著書である「ティマイオス」と「倫理学」となっています。
また、プラトンは手を天に向け、アリストテレスは手を水平に突き出しています。
これも、プラトンの理想主義とアリストテレスの実践哲学を表現しているとか・・・いや～、アンチョコをパクらずにそんなこと分かるか！と、小坊主の浅学っぷりが晒されてしまうわけですが、当時の教養ある方々には「ニヤリ」としながら、画中の人物達について会話する良いネタになったのかもしれません。

聖体の論議

こちらは「聖体の論議」というもので、「アテネの学堂」と同じ署名の間に描かれています。
描かれた順番としては、こちらが一番最初に描かれました。
画面は雲によって上下に分かれていて、上部が「勝利の教会」（教会の勝利）と下部が聖体について論議する？「戦う教会」とされています。
中央では、神（父）・キリスト（子）・ハト（聖霊）・聖体という縦のラインが結ばれており、三位一体が表現されています。
天使が持っているのは、四福音書です。
下部に描かれている人物達には諸説あるようですが、フラ・アンジェリコ・ブラマンテ・聖アウグスティヌス・ダンテ等々の歴史上の人物を描いているとされています。
キリスト教の神学を象徴的に表現し、キリスト教にかかわる歴史上の人物達を動きを持たせながら描いていくことで、「教会の勝利」というテーマにまとめ上げていった大作です。
教皇の公邸に描くに相応しい題材で、また、キリスト教の神学と西洋哲学とを一つに融合させたラファエロの力量に感嘆します。

パルナッソス

こちらは、「署名の間」の北側に描かれている「パルナッソス」です。
「パルナッソス」というのは、ギリシャ神話でいうところの「パルナッソス山」にあたります。
パルナッソス山にアポロンを中心に、９人のムーサ（女神）たちと１８人の詩人が集っている状態です。
カリオペ・エラトもムーサの１人ですが、ムーサは詩・歌・芸術にかんする女神達で、アポロンに付き従うものとなっています。
ムーサ達は本来は霊感を与える泉を支配するニンフだったようで、その泉の一つがパルナッソス山にあるカスタリアの泉で、そこがムーサ達の住処なのです。
ムーサ達には９人それぞれに、次の名前と役割が与えられています。
・クレイオ　　　・・・歴史。
・エウテルペ　・・・音楽と抒情詩。
・タレイア　　　・・・喜劇、田園詩。
・メルポメネ 　・・・悲劇。
・テルプシコレ・・・踊りと歌。
・エラト　　　　 ・・・抒情詩と恋愛詩。
・ウラニア　　　・・・天文学。
・カリオペ　　　・・・叙事詩。
・ポリュムニア ・・・英雄賛歌。

アポロンはオリュンポス１２神の１人で、人間性の理性的で文明化された面を表わすものとされています。
音楽家としての面も持ち合わせており、このアポロンとムーサ達が一緒に描かれる題材は、昔から詩と音楽の寓意を表わすものとして描かれてきたものです。
ホメロスは、「イリアス」と「オデュッセイア」を書いたギリシャの盲目の詩人です。
イリアスは、ギリシャ神話を題材とした最古のギリシャ叙事詩。
オデュセイアは、ギリシャの英雄オデュッセウスの冒険を記した物語。
ここでは、アポロンとムーサ達と一緒に描かれることで、やはり詩と音楽の寓意を表わす形になっています。
ルネサンスの文学・芸術賛歌といえるもので、ルネサンスの古典古代の理想を表現しようという精神が表わされたものと言えます。
「アテネの学堂」や「聖体の論議」と比べると、ちょっと手を抜いた？な感じで、他の作品と比べると完成度が少し微妙かもしれませんが、傑作だと思います。

エゼキエルの幻視

この「エゼキエルの幻視」は、今回の展覧会でも展示されていますね。
エゼキエルは四大予言者（他の３人は、イザヤ・エレミヤ・ダニエル）で、前５７９年にバビロンに移住したユダヤ人です。
エゼキエルは、川のほとりで幻視を体験し預言者としての召命を受けたとされ、その川のほとりで体験した幻視を表現したものが、この「エゼキエルの幻視」という作品です。
エゼキエルは、ある日、激しい風と光り輝く雲の中から、４枚の翼をもった人間・ライオン・牡牛・鷲の顔をした生物と神が表れるという幻をみたとされています。４体の生物は「黙示の獣」として、「ヨハネ黙示録」にも登場しています。
中世では、四福音書記者の象徴とされていたようです。
幻視をえたエゼキエルは左下に小さく描かれていますが、メインは画中に大きく堂々と表現された幻視のイメージです。
幻視の内容がストレートに表現されていて、神の存在感が圧倒的です。
絵の大きさは、４０ｃｍ×２０ｃｍと小さな作品ですが、その美しさは飛び抜けていると思います。

キリストの変容

この「キリストの変容」はラファエロ最後の作品で、この作品の製作中に亡くなってしまいました。
この絵も上下に分かれていて、上段はモーセ（石版）・エリヤ（預言書？）とともにキリストが描かれ、その下に驚いて地に倒れている使徒たちがいます。
これは聖書で山の上で預言者とともに語り合い、光り輝く姿を弟子達に見せたという場面があり、その姿を描いたものです。
下段は、悪魔に憑かれた少年を治癒する場面を描いたものですが、上段のキリストと弟子達の場面とは、直接の繋がりがあるものではないようです。
絵的には下段の赤い服の男性が上段のキリストを指さすことで、下段から上段への繋がりが見られます。
絵的には大胆な動きのある絵で、キリスト等が空中に浮かぶ姿には上昇するダイナミックさが感じられます。
悪魔に憑かれた少年の表情も、虚ろな感じがよく表現されていて、その他の人物達もずいぶん大きく動いているのに、安定感の崩れない素晴らしい絵です。
この安定感はキリストを頂点とした、八の字の構図から生まれるものでしょうが、それぞれの登場人物が互いに殺しあわず一体となっているところに、素直に感心します。

とりあえず、ラファエロ展の鑑賞までにラファエロについて、予習するぞ！と勢いつけてやってきたのですが・・・天才の作品を見ていくのも大変で、小坊主のエネルギーが尽きてしまいました（笑
正直、ラファエロ展に来ている絵をもっと見る必要があったんですが、それ以外の有名な絵の方を知らなかったこともあって、そちらを優先してしまいました。
こうやって見ていくと、ダ・ヴィンチやミケランジェロの影響を受けながら、どんどん絵の完成度と個性が創られていく様子が分かって、面白かったです。
本当に３７歳という若さで亡くなってしまったのが残念ですが、それ以降の絵画でずっと絵画の規範として扱われたラファエロの影響力を垣間見ることが出来ました。
いや～、たまには苦行も我慢してやってみるものです。
正直、まだまだ分かってないことや知らないことも多いですが、好きなことなので地味に続けていきたいなと思っています。
次はラファエロ展の感想か、７月に鑑賞予定のレオナルド展＠東京都美術館の予習でもしようかな。

ラファエロ展＠国立西洋美術館 予習①

今月末に国立西洋美術館で開催されている「ラファエロ展」に行くので、事前に予習をすることにしました。

ラファエロと言えば、ダ・ヴィンチ、ミケランジェロにならぶルネサンス期の巨匠です。
今回の展覧会では、「大公の聖母」日本初公開に加えて、ほか２０点以上のラファエロの作品が鑑賞できるようです。
ということで、少しは知識を灰色の脳みそに詰め込んでから、鑑賞したほうがもっと楽しめそうなので、予習という苦行に耐えることにしてみました。

まずは、ラファエロ自身について軽く人生の流れを調べてみました。
１４８３年　　ウルビーノで誕生
１４９１年～１４９４年　この間に父母を亡くし、１１歳からペルジーノ工房で修業を始める。
＊ペルジーノ　1450年～1523年頃のイタリアの画家　ペルジーノとは、ペルージャ人のことで、システィーナ礼拝堂の壁画装飾を担当するなど、当時でも有名な画家・・・だったようです。どうやって、そんな有名画家の工房に入れたのか分かりませんが。
１５０４年　フィレンツェへ移住。「聖ゲオルギウスと竜」等を制作。
１５０５年　「大公の聖母」「一角獣の貴婦人」等を制作
１５０８年　ローマに移住（25歳）
１５１０年　「アテネの学堂」完成（27歳）
１５１２年～１５１８年　上流階級の仕事などを精力的にこなす
１５１９年　システィーナ礼拝堂のタペストリ完成。「友人のいる自画像」制作
１５２０年　「キリストの変容」制作。4／6に高熱のため死去（37歳）
　　　　　　 国葬扱いで、ローマのパンテオンに埋葬
６７歳まで生きた「ダ・ヴィンチ」や８９歳まで生きた「ミケランジェロ」と比べると、３７歳で亡くなっているので、早逝ですね。
反対に３７歳までに多くの作品を作成し、巨匠と呼ばれるほどになるんですから、当時から才能がほとばしってたんでしょうね～。
だいたい、２７歳の時点ですでにシスティーナ礼拝堂の壁画装飾に携わってるんで、世間に認められるのも早い！
ルネサンス期の社会背景とか調べだすと、いろいろ面倒くさ・・・大変で小坊主の灰色の脳みそには限界があるので、そういった所は別の機会にして、今回は展覧会に絡んだ作品等を見ながら、予習したいと思います。

というわけで、今回、日本初公開となる「大公の聖母」から見ていきましょう。

大公の聖母

ブノワの聖母

こちらが「大公の聖母」ですが、まずは聖母の表情がとても穏やかで、背景の黒さもあり、この黒い背景から浮かび上がるような聖母子の姿が印象的です。
ラファエロは「聖母子の画家」と言われるほど、数多くの聖母子を描いており、３０～５０点もの聖母子画があるようです。
その中で、この「大公の聖母」のみ背景が漆黒に塗られていて、何か特別な意味や背景があるのでは？ということで、専門家によるX線調査の結果では、ラファエロ没後に黒く塗られたものということが分かっています。
調べてみないと分からない事が、いろいろあるんですね～。
この「大公の聖母」はダ・ヴィンチの「ブノワの聖母」の影響を受けているのではないかと思われ、構図がたいへん似ています。
また、黒く塗られる前の絵には、「ブノワの聖母」のように右上に扉があり、そこから景色が描かれていたと考えられています。
そう見ると、絵の構成的には「ブノワの聖母」とまったく同じで、聖母子の顔の一部はスフマート技法で描かれています。
こうやって絵を並べてみると、そういう所がよく分かるし、ラファエロがダ・ヴィンチやミケランジェロからの影響を自分流に上手くアレンジして、自分の絵画に反映させていると言われますが、なるほど～と納得してしまいますね。
ラファエロ没後に誰がなぜに背景を黒く塗ったのかは分からないですが、「ブノワの聖母」だと、聖母がちょっと俗っぽくてお母ちゃん！って雰囲気があるんですが、「大公の聖母」は静謐な雰囲気があって、絵に締りがあります。
黒く塗られて、魅力がアップして成功した例じゃないでしょうか。

ひわの聖母

まき場の聖母

こちらは、どちらも１５０７年頃に描かれた「ひわの聖母」と「まき場の聖母」です。これも構図がとても似てて、描かれる小道具で題名を判別するしかないなぁって感じです。同じ題材で、注文主それぞれのために描き分けた作品なのかもしれませんね。
「ひわの聖母」は洗礼者ヨハネが持つ「ひわ」に、幼児キリストが手を伸ばす様子を描いていて、「ひわ」はキリストが茨の冠をかぶせられた時に、茨をクチバシで抜こうとしてキリストの返り血を浴びたとされています。
そこから、キリストの受難と血の贖罪を表わすということで、この絵はキリストの後の受難を自ら選択することを暗示しているそうです。
この構図も本来はダ・ヴィンチからの影響で、「岩窟の聖母」（どっちの岩窟の聖母か分からなかったのですが）の構図から来ているものです。

岩窟の聖母

ブリージュの聖母

いわゆる三角構図というもので、聖母の頭部を頂点にして、足元の幼児のキリストと洗礼者ヨハネが三角形を形づくるという構図です。
人物の構図は、ミケランジェロの「ブリージュの聖母」から影響を受けていると言われますが、聖母の足の間にキリストがくるという構図が確かに似ています。
同時代の画家同士が影響を与えあうのは当然ですが、ラファエロは自分流へのアレンジが上手いですね。
個人的には、ラファエロの血の通った聖母子の描かれ方が好きです。
特に聖母の表情が魅力的で、９歳頃に母を亡くしたラファエロの理想が反映されているのかもしれません。
聖母続きで何ですが、下の「小椅子の聖母」と「サン・シストの聖母」もどこかで見たことあるな？という方もいるのではないでしょうか。

小椅子の聖母

サン・シストの聖母

「小椅子の聖母」、「サン・シストの聖母」もともに１５１４年頃の作品です。
ラファエロは本当に多くの聖母子像を描いていますが、この「小椅子の聖母」は聖母子の表情が他の神秘性を与えられた聖母子と違って、溢れるような親密性に満ちてます。
円形というのも効果的で、圧縮された空間に聖母子がギュッと詰められることで、密着した感じから聖母の愛情がより強く表現されるようです。
しかし、ここに描かれる聖母は服装からターバン？も独特で、聖母子像と言われないと何かの肖像画等と間違えそうです。
洗礼者ヨハネなんか、これが聖母子像であることを形にするためのオマケみたいな感じです。
パトロンの奥さんか誰かをモデルにしているのでしょうか。

「サン・シストの聖母」は、画面にカーテンレール付きでカーテンが描かれてます。また、下の方には天使が肘をついているなど、なかなか変わった描き方をしていますね。
この絵は教皇ユリウスⅡ世を弔うために描かれたものだそうで、絵の左に描かれているのが、シクストゥスになぞらえた教皇ユリウスⅡ世です。
左下の３つに重なった冠も、教皇位を示すものということで、持物を通しても人物が誰か分かるようになっています。
右側に描かれているのは聖女バルバラで、キリスト教の洗礼を受けたところ、異教徒の父にローマに引き渡され拷問を受けながらも棄教せず、父に刺殺された殉教者ということです。
何でこの女性が聖女バルバラか？ということですが、バルバラは求婚者を退けるために塔に幽閉されていたということになっています。
そのため、彼女の持物には塔があるのですが、絵の右側に小さく見えているのが塔に当たるんではないかと思います。
反対に当時、聖女バルバラが人気あったからという理由もあるらしいですが・・・よく分かりませんでした。

とりあえず、今回は聖母子ばかり見てきましたが、これだけの聖母子を描きながら、多様な表情を描きわけていくラファエロの才能に驚きです。
性格も温厚で人気があったということで、寿命以外は全てを与えられた天才という感じで、小坊主としては羨ましい限り・・・
予習②の苦行に耐える精神力が残っていたら、次はアテネの学堂等も見てみたいと思います。

神田祭からの『自家焙煎珈琲 みじんこ』にてボリューミーなホットケーキを味わう＠神田、御茶ノ水

神田祭

神輿

　５月１２日に神田祭へ行きました。
　神田祭は本来、２年に一度、開催されるものですが、２０１１年は東日本大震災のため開催されず４年ぶりの開催ということで、一回は行っておかねば！ということで、お上り気分を満載して行ってまいりました。
　１１日は雨の中、大変だったようですが、１２日は良い天気に恵まれてお祭り日和になりました。
　また、１２日は「神輿宮入」ということで、町会の神輿が順々に境内に入って行って参拝する姿を見ることが出来ました。
　神輿が境内に入っていく風習？は初めて見たのですが、神輿が神田明神前に到着する度に祭りの盛り上がりを感じて、こちらもワクワクします。

　祭りと言えば神輿も魅力ですが、神輿以外にも各町会の衣装や祭囃子も、大事な要素ですね！
　他にも飲みすぎたのか、道路で寝ているふんどし姿の男性や迷子に対応する警察の姿も見ましたが、長閑な感じで下町？の祭りらしさがあります。
　東京には江戸三大祭のほか、いろんな神社での祭りが多いので、今年はそういう祭りに積極的に行ってみたいと思っています。
　５月は三社祭。
　６月は山王祭がありますね。
　山王祭は江戸三大祭といいながら、今まであまり意識したことがなく、開催そのものにも注目していなかったので、どんな祭りか自分の目で確かめたいものです。
　８月の深川八幡祭も存在は知っていたけれど、こちらも見たことがないので、行ってみたい。
　本当は、それぞれの祭りの背景や神輿の違いなどを理解しておけば、もっと楽しいのだと思いますが、まだまだお上りさんなのでミーハーパワーを原動力に楽しむことから始めます！

みじんこ　ホットケーキ

ホットケーキ　断面

　神田方面には、ホットケーキ・パンケーキ好きには、一度は行っておかねばならない「みじんこ」なる聖地があります。
　今回、せっかく近くまで行くということで、行ってきました！
　さて、実食となったわけですが、このホットケーキには感動しました。
　外側のカリカリ具合に、内部のフワッとした食感。
　シロップが染み込んで、ホットケーキの甘みといい感じに絡み、舌の上でとろける味わいです。
　行列が出来るのも、納得の味でした。
　だんだん暖かくなって、自転車での移動も楽しい季節になってきました。
　これからは、また、いろいろと散策を兼ねて各エリアのスイーツ等も発掘していきます！

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「みじんこ」
東京都文京区湯島2-9-10 湯島三組ビル1F
JR線 御茶ノ水駅から徒歩7分
03-6240-1429

営業時間
平日11：00～21：00
土日祝11：00～20：00
定休日　火曜日

表も裏もかなり（自分なりに）頑張って『花』で埋め尽くした皿＠陶芸

表面　絵付け中

裏面　絵付け中

表面　完成

裏面　完成

　三枚の皿シリーズが、やっと完成しました。
　今回の皿は大きめなのもありますが、絵付けを表裏面にしたのと、絵柄を花で埋めてしまったので、こちらを描くのにとても時間がかかりました。
　皿を作るのは１回で終わっているんですが、絵付けと釉掛けまでに４～５回ほどかかっています。
　結局、１ヶ月に２回程度しか作りに行っていないので、完成までに４ヶ月くらいかかりました。
　花の絵柄は、そこそこ描けたと思っています。
　いつも通り、絵柄集からのインスパイアですが（笑
色については、こちらもいつも通り派手になりました。
　今回はいくつか色を混ぜて作っていますが、紫を３種類とオレンジが混色によるものです。
　正直、紫はもっと赤みが欲しかった・・・
　紫！な色合いにならず、黒っぽくなってしまったのがとても残念です。
　反対にオレンジは、とてもいい色が出てくれました。
　色の配置は、適当に勘でやってますが、まぁまぁ殺しあわない程度に配置できたかなと思っています。
　全体的には、好みの感じに作り上げることが出来たので、満足しています。

絵付け中はもっと華やかになると思った『うさぎと月』の皿が＠陶芸

下絵付け時

久しぶりに皿が1枚、完成しました。
ちょうど、秋ごろに作っていたのでうさぎと月で中秋の～を気取っていたところ・・・完成が結局、年明けになるという。
本焼きのタイミングが年末にかかってしまいズレてしまったのもあり、仕方ないですね。
正直、急いで作ってないので、完成時期はいつでも良いんですが（笑
今回は、ウサギの下の紫の草の部分の色がどう出るか心配していました。
絵の具に紫がないので、絵の具を混ぜて紫を作っているので、焼き上がりまでどう発色するか分からないのです。
今回は赤紫な感じで出てくれて、まあまあ良かったと思います。
紫がそのまま出ていると、また、違った雰囲気になったとは思いますが。

本焼き後

後は月と雲の水玉の部分がまあまあ明るく出てくれました。
ところどころ、本当は白色も入れていたのですが、残念ながらこちらは上手く発色せず・・・
これは、前の四季皿を作ったときに、竹に雪をあてたときも同じ結果になってしまったので、透明釉で白は難しいです。
とりあえず、全体的に落ち着いた雰囲気に収まったかなと思います。

一番下のものは、今、制作中のものです。
こちらも花がメインで、だいぶカラフルにしてしまってますが、色同士が殺しあわなければ良いなぁと思いつつ、色をたくさん入れてしまっています。
裏面にも花を描いているので、花だらけになるんですが・・・
こちらは、完成までまだまだ時間がかかりそうです（笑

制作中

リヒテンシュタイン展＠国立新美術館 レビュー

リヒテンシュタイン展＠国立新美術館へ行った記録です。
混み具合　　　辛　い/１・２・③・４・５/快適
作品の数　　　少ない/１・２・３・４・⑤/多い
面 白 さ　つまらない/１・２・３・４・⑤/面白い

リヒテンシュタインという貴族が今も現役で、ウィーンに侯国として今も現存していることを恥ずかしながら知りませんでした。
展覧会にはリヒテンシュタイン家の簡単な歴史が説明されてましたが、神聖ローマ帝国時代から続いていて、美術品をコレクションすることで侯国の存在を認められるまでになったというのが、すごく不思議な縁をもった一族なんだなと思います。
個人的には美術の蒐集なんて、道楽や趣味みたいなものという印象があるんですが、リヒテンシュタイン家は違います・・・侯国の主は代々美術の蒐集と保護に努め、目利きであるべし！
家業に精を出し、勤勉に努めよ！と同じ意味合いで、美術コレクターに努めよ！って言っているので、スゲー家訓ですよ（笑
でも、美術コレクションに努めることで、ハプスブルク家の重臣として出世し、神聖ローマ皇帝から「あなたのコレクションを見せて欲しい」なんて手紙をもらうまでになるんだから、どこから道が開けるか分かりませんね！

とりあえず、今回、印象に残った絵画等を見てみたいと思います。

ﾖｰﾘｽ・ﾌｧﾝ・ｿﾝ
「倒れた水差しのある静物」

今回の展示でまず、面白かったのは「バロック・サロン」という一室が作られていて、リヒテンシュタイン家の美術品が展示されているウィーンの「夏の離宮」を模した部屋です。
「夏の離宮」では、美術品が建物の装飾や調度品と調和するように配置され、空間全体で美術品の存在を表現する形をとっているそうです。
単に絵画を並べるだけではなく、天井画もあるということで、その天井も再現されていました。
ここは、部屋に入った瞬間に、おぉ！とこれまでと明らかに違う空間のオーラに一瞬、圧倒されました。
美術品の発する空気の濃密さを、肌で感じることが出来ます。
この部屋の美術品には、キャプションがついておらず題名なども表示されていません。
そのため、入口で入手する「バロック･サロン」専用の解説を片手に、美術品と資料を見比べながら鑑賞することになります。
絵画以外にも素晴らしい調度品も展示されており、まさしく”サロン”と呼ぶに相応しい空間です。
ウィーンの「夏の離宮」は、１８０７年から一般公開されていたようですが、第２次世界大戦時に戦火から美術品を保護するため、美術品を侯国へ移送し保管していたとのことです。
それから、６６年後の２００４年にやっと、再び「夏の離宮」での美術品の一般公開が再開されたということで、これまた歴史の流れを感じ、展示品を見る目が変わります。
で、この「倒れた水差しのある静物」は、「バロック・サロン」の入口近くに展示されていて、今回の展覧会でまず最初に魅力を感じた絵画です。
画像だといまいちなんですが、実物は水差しや果物の質感が素晴らしく、水差しの金属を表現する技術の高さに目を奪われます。
また、果物の瑞々しさも艶やかで、イチジクの粒粒が本当に１つ１つの粒に存在感があり、完成度の高さにしばらく動けなくなるほどです。

ｸﾘｽﾄﾌｧｰﾉ・ｱｯﾛｰﾘ
「ﾎﾛﾌｪﾙﾈｽの首をもつﾕﾃﾞｨﾄ」

ﾙｰﾍﾞﾝｽ
「ｸﾗﾗ・ｾﾚｰﾅ・ﾙｰﾍﾞﾝｽの肖像」

「ホロフェルネスの首をもつユディト」は、一瞬、サロメ？と思ったんですが、題名が全く関係ないので・・・ホロフェルネスって誰？というところから、始まりました。
後でホロフェルネスを検索したところ、旧約聖書の話の一説のようですね。
鑑賞時は内容が分からないままだったんですが、まず首をもつユディトの目と表情に集中しました。
何かこうあっさりした感じがあるんですが、恍惚とした（自分には荘見えるのです）目に惹きつけられてしまうのです。
ルーベンスの「ｸﾗﾗ・ｾﾚｰﾅ・ﾙｰﾍﾞﾝｽの肖像」も、活き活きとした表情が素晴らしいです。
このクララは、この肖像が描かれてから、１２歳頃に亡くなってしまったようですが、この絵画からはクララへのルーベンスの愛情を感じずにはいられません。
絵画が描かれていた頃は、幸福に満ちていたのかなと想像します。

ﾋﾟｰﾃﾙ・ﾌﾞﾘｭｰｹﾞﾙ２世
「ﾍﾞﾂﾚﾍﾑの人口調査」

この絵が描いているのは、１６０７年ごろのベツレヘムの様子だそうですが、左下に集まっている人たちや湖を歩く人たちの姿に、当時の風俗がよく描かれていて見ていて飽きません。
氷の上をソリみたいなもので滑っている人もいれば、喧嘩している人もいるし、火に集まって暖をとっている姿や鳥をさばくところなど、中世の生活感があふれてて、人々の生命力を感じます。

ﾚﾝﾌﾞﾗﾝﾄ
「ｷｭｰﾋﾟｯﾄﾞとしゃぼん玉」

レンブラントの「ｷｭｰﾋﾟｯﾄﾞとしゃぼん玉」・・・これも面白い絵画で、最初は可愛いキューピッドがしゃぼん玉をもってて、愛らしい絵だなと思いきや。
キューピッドは愛を表し、しゃぼん玉ははじけて消える儚さを。これを二つ合わせると、愛の儚さを表すなり。
絵の印象を裏切る題名に、こころ揺さぶられます。
マヂッスか？ってのが、まず思い浮かんだ感想です。（笑

ﾌﾗﾝﾁｪｽｺ・ｱｲｴﾂ
「復讐の誓い」

ﾌﾘｰﾄﾞﾘﾋ・ﾌｫﾝ・ｱﾒﾘﾝｸﾞ
「夢に浸って」

女性を描いた絵を並べてみましたが、それぞれ特徴的な描かれ方で、こうして比べてみると目力の違いに驚きます。
左の「復讐の誓い」は、左の女性の目に題名そのままの憎しみを感じざるを得ません。
なかなかこういった負の感情をストレートに表現した絵を見たことが少ないので、印象深いです。
決意溢れる心が、あますところなく目に表現されてますね！
表情以外にも黒いレースの表現が巧みで、背景を透過しつつレースの存在をシッカリと描き出す技術に脱帽です。
それに対して、「夢に浸って」の目の表情・・・これもまた、目の前のものを映しておらず、想い描く心の世界に飛んでいる表情が、よく出ています。
ただ、こちらも空想とかそういう夢より、想い描く夢を実現していこうという静かな意思の力を秘めた表情のように見えますが、人によっては違った見え方がするかもしれません。

ﾌﾘｰﾄﾞﾘﾋ・ﾌｫﾝ・ｱﾒﾘﾝｸﾞ
「ﾏﾘｰ・ﾙﾗﾝﾂｨｽｶ・ﾘﾋﾃﾝｼｭﾀｲﾝ
侯女２歳の肖像」

「豪華なｼﾞｮｯｷ」

「ﾏﾘｰ・ﾙﾗﾝﾂｨｽｶ・ﾘﾋﾃﾝｼｭﾀｲﾝ侯女２歳の肖像」は、展示も終わりの頃に鑑賞したものですが・・・この愛らしい表情にノックアウトです。
ホホと目の満ち足りた表情！・・・これが全てです。
他に言うべきことは、何もありません（笑
絵画以外にも多様な調度品が展示されてましたが、世界一高価な象牙の美術品の一つということで、「豪華なジョッキ」が異様な存在感を発してました。
象牙から彫りだしたものなんでしょうが、豪華だけど一種の異様な姿に全く触りたいという気が起こりませんでした。
何でだろう・・・少し気持ち悪かったかな？

「貴石象嵌のﾁｪｽﾄ」

「貴石象嵌のチェスト」、これは物としての使い方はしないんでしょうが、１６２０年頃のものだそうでチェストの周囲に描かれた風景や人々の姿から、当時はこういう風景や生活が広がっていたんだろうなと想像を膨らませてくれる刺激に満ちていました。
さすがに現代の加工技術と比べると、全体としてモッサリした雰囲気を感じてしまいますが、描かれている絵の素朴さと色使いに落ち着いたアンティークの品の良さを感じます。
鑑賞時間は２時間つかったのですが、本当にあっという間の２時間で、じっくり見ることが出来ました。
入口付近は混んでますが、奥へ行けばさほどの混雑もなくスムーズに鑑賞することが出来ます。
展示方法にも工夫が凝らされているし、満足度の高い展覧会だとお勧めします。